Quantcast
Channel: Mémoires de Guerre
Viewing all 30791 articles
Browse latest View live

Katzenbach Nicholas

0
0

Katzenbach Nicholas Nicholas Katzenbach, né le 17 janvier 1922 et mort le 8 mai 2012 (à 90 ans), est juriste américain ayant été procureur général adjoint des États-Unis de 1962 à 1964 puis procureur général de 1965 à 1966. Nicholas Katzenbach a aussi été professeur de droit à l'université de Chicago et à l'université Yale.


Christopher Warren

0
0

Christopher Warren Warren Minor Christopher, né le 27 octobre 1925 dans le Dakota du Nord et mort le 18 mars 2011, est un diplomate américain qui fut secrétaire d'État (ministre des Affaires étrangères) de 1993 à 1997 durant le premier mandat de Bill Clinton. Il a étudié à l'université de la Californie du Sud (USC), puis a étudié le droit à l'université Stanford. Il fut procureur général adjoint des États-Unis (United States Deputy Attorney General) de 1967 à 1969, secondant Ramsey Clark à la tête du département de la Justice sous la présidence de Lyndon Baines Johnson.

De janvier 1977 à janvier 1981, sous la présidence démocrate de Jimmy Carter, il a été secrétaire d'État adjoint (aux ordres des secrétaires d'État Cyrus Vance et Edmund Muskie). Durant cette période, il a en particulier négocié la libération de cinquante-deux otages américains en Iran. En janvier 1981, le président Jimmy Carter lui a remis la médaille présidentielle de la liberté, la plus haute distinction civile aux États-Unis. Il est devenu le 63e secrétaire d'État (ministre des Affaires étrangères des États-Unis), de janvier 1993 à janvier 1997, dans l'administration du président démocrate Bill Clinton.

Lors de l'élection présidentielle de 2000, il a été envoyé en Floride et chargé de superviser le recompte des voix pour le camp démocrate et le candidat Al Gore. Warren Christopher était marié à Marie Wyllis. Il est le père de quatre enfants : Lynn, Scott, Thomas, et Kristen. Il meurt le 18 mars 2011 à 85 ans.

Il a écrit trois ouvrages :

  • American Hostages in Iran (1986) ;
  • In the Stream of History: Shaping Foreign Policy for a New Era (1998) ;
  • Chances of a Lifetime (2001).

Nixon Resigns

0
0

The Washington Postpublished 09/08/1974 at 19:42 by Carroll Kilpatrick

Richard Milhous Nixon announced last night that he will resign as the 37th President of the United States at noon today.

Richard NixonVice President Gerald R. Ford of Michigan will take the oath as the new President at noon to complete the remaining 2 1/2 years of Mr. Nixon's term.

After two years of bitter public debate over the Watergate scandals, President Nixon bowed to pressures from the public and leaders of his party to become the first President in American history to resign.

"By taking this action," he said in a subdued yet dramatic television address from the Oval Office, "I hope that I will have hastened the start of the process of healing which is so desperately needed in America."

Vice President Ford, who spoke a short time later in front of his Alexandria home, announced that Secretary of State Henry A. Kissinger will remain in his Cabinet.

The President-to-be praised Mr. Nixon's sacrifice for the country and called it "one of the vary saddest incidents that I've every witnessed."

Mr. Nixon said he decided he must resign when he concluded that he no longer had "a strong enough political base in the Congress" to make it possible for him to complete his term of office.

Declaring that he has never been a quitter, Mr. Nixon said that to leave office before the end of his term " is abhorrent to every instinct in my body."

But "as President, I must put the interests of America first," he said.

While the President acknowledged that some of his judgments "were wrong," he made no confession of the "high crimes and misdemeanors" with which the House Judiciary Committee charged him in its bill of impeachment.

Specifically, he did not refer to Judiciary Committee charges that in the cover-up of Watergate crimes he misused government agencies such as the FBI, the Central Intelligence Agency and the Internal Revenue Service.

After the President's address, Special Prosecutor Leon Jaworski issued a statement declaring that "there has been no agreement or understanding of any sort between the President or his representatives and the special prosecutor relating in any way to the President's resignation."

Jaworski said that his office "was not asked for any such agreement or understanding and offered none."

His office was informed yesterday afternoon of the President's decision, Jaworski said, but "my office did not participate in any way in the President's decision to resign."

Mr. Nixon's brief speech was delivered in firm tones and he appeared to be complete control of his emotions. The absence of rancor contrasted sharply with the "farewell" he delivered in 1962 after being defeated for the governorship of California.

An hour before the speech, however, the President broke down during a meeting with old congressional friends and had to leave the room.

He had invited 20 senators and 26 representatives for a farewell meeting in the Cabinet room. Later, Sen. Barry M. Goldwater (R-Ariz.), one of those present, said Mr. Nixon said to them very much what he said in his speech.

"He just told us that the country couldn't operate with a half-time President," Goldwater reported. "Then he broke down and cried and he had to leave the room. Then the rest of us broke down and cried."

In his televised resignation, after thanking his friends for their support, the President concluded by saying he was leaving office "with this prayer: may God's grace be with you in all the days ahead."

As for his sharpest critics, the President said, "I leave with no bitterness toward those who have opposed me." He called on all Americans to "join together . . . in helping our new President succeed."

The President said he had thought it was his duty to persevere in office in face of the Watergate charges and to complete his term.

"In the past days, however, it has become evident to me that I no longer have a strong enough political base in the Congress to justify continuing that effort," Mr. Nixon said.

His family "unanimously urged" him to stay in office and fight the charges against him, he said. But he came to realize that he would not have the support needed to carry out the duties of his office in difficult times.

"America needs a full-time President and a full-time Congress," Mr. Nixon said. The resignation came with "a great sadness that I will not be here in this office" to complete work on the programs started, he said.

But praising Vice President Ford, Mr. Nixon said that "the leadership of America will be in good hands."

In his admission of error, the outgoing President said: "I deeply regret any injuries that may have been done in the course of the events that led to this decision."

He emphasized that world peace had been the overriding concern of his years in the White House.

When he first took the oath, he said, he made a "sacred commitment" to "consecrate my office and wisdom to the cause of peace among nations."

"I have done my very best in all the days since to be true to that pledge," he said, adding that he is now confident that the world is a safer place for all peoples.

"This more than anything is what I hoped to achieve when I sought the presidency," Mr. Nixon said. "This more than anything is what I hope will be my legacy to you, to our country, as I leave the presidency."

Noting that he had lived through a turbulent period, he recalled a statement of Theodore Roosevelt about the man "in the arena whose face is marred by dust and sweat and blood" and who, if he fails "at least fails while daring greatly."

Mr. Nixon placed great emphasis on his successes in foreign affairs. He said his administration had "unlocked the doors that for a quarter of a century stood between the United States and the People's Republic of China."

In the mideast, he said, the United States must begin to build on the peace in that area. And with the Soviet Union, he said, the administration had begun the process of ending the nuclear arms race. The goal now, he said, is to reduce and finally destroy those arms "so that the threat of nuclear war will no longer hang over the world." The two countries, he added, "must live together in cooperation rather than in confrontation."

Mr. Nixon has served 2,026 days as the 37th President of the United States. He leaves office with 2 1/2 years of his second term remaining to be carried out by the man he nominated to be Vice President last year.

Yesterday morning, the President conferred with his successor. He spent much of the day in his Executive Office Building hideaway working on his speech and attending to last-minute business.

At 7:30 p.m., Mr. Nixon again left the White House for the short walk to the Executive Office Building. The crowd outside the gates waved U.S. flags and sang "America" as he walked slowly up the steps, his head bowed, alone.

At the EOB, Mr. Nixon met for a little over 20 minutes with the leaders of Congress -- James O. Eastland (D-Miss.), president pro tem to the Senate; Mike Mansfield (D-Mont.), Senate majority leader; Hugh Scott (R-Pa.), Senate minority leader; Carl Albert (D-Okla.), speaker of the House; and John Rhodes (R-Ariz.), House minority leader.

It was exactly six years ago yesterday that the 55-year-old Californian accepted the Republican nomination for President for the second time and went on to a narrow victory in November over Democrat Hubert H. Humphrey.

"I was ready. I was willing. And events were such that this seemed to be the time the party was willing for me to carry the standard," Nixon said after winning first-ballot nomination in the convention at Miami Beach.

In his acceptance speech on Aug. 8, 1968, the nominee appealed for victory to "make the American dream come true for millions of Americans."

"To the leaders of the Communist world we say, after an era of confrontation, the time has come for an era of negotiation," Nixon said.

The theme was repeated in his first inaugural address on Jan. 20, 1969, and became the basis for the foreign policy of his first administration.

Largely because of his breakthroughs in negotiations with China and the Soviet Union, and partly because of divisions in the Democratic Party, Mr. Nixon won a mammoth election victory in 1972, only to be brought down by scandals that grew out of an excessive zeal to make certain he would win re-election.

Mr. Nixon and his family are expected to fly to their home in San Clemente, Calif. early today. Press secretary Ronald L. Ziegler and Rose Mary Woods, Mr. Nixon's devoted personal secretary for more than two decades, will accompany the Nixons.

Alexander M. Haig Jr., the former Army vice chief of staff who was brought into the White House as staff chief following the resignation of H.R. (Bob) Haldeman on April 30, 1973, has been asked by Mr. Ford to remain in his present position.

It is expected that Haig will continue in the position as staff chief to assure an orderly transfer of responsibilities but not stay indefinitely.

The first firm indication yesterday that the President had reached a decision came when deputy press secretary Gerald L. Warren announced at 10:55 a.m. that the President was about to begin a meeting in the Oval Office with the Vice President.

"The President asked the Vice President to come over this morning for a private meeting -- and that is all the information I have at this moment," Warren said.

He promised to post "some routine information, bill actions and appointments" and to return with additional information" in an hour or so."

Warren's manner and the news he had to impart made it clear at last that resignation was a certainty. Reports already were circulating on Capitol Hill that the President would hold a reception for friends and staff members late in the day and a meeting with congressional leaders.

Shortly after noon, Warren announced over the loudspeaker in the press room that the meeting between the President and the Vice President had lasted for an hour and 10 minutes.

At 2:20 p.m., press secretary Ziegler walked into the press room and, struggling to control his emotions, read the following statement:

"I am aware of the intense interest of the American people and of you in this room concerning developments today and over the last few days. This has, of course, been a difficult time.

"The President of the United States will meet various members of the bipartisan leadership of Congress here at the White House early this evening.

"Tonight, at 9 o'clock, Eastern Daylight Time, the President of the United States will address the nation on radio and television from his Oval Office."

The room was packed with reporters, and Ziegler read the statement with difficulty. Although his voice shook, it did not break. As soon as he had finished, he turned on his heel and left the room, without so much as a glance at the men and women in the room who wanted to question him.

There were tears in the eyes of some of the secretaries in the press office. Others, who have been through many crises in recent years and have become used to overwork, plowed ahead with their duties, with telephones ringing incessantly.

In other offices, loyal Nixon workers reacted with sadness but also with resignation and defeat. They were not surprised, and some showed a sense of relief that at last the battle was over.

Some commented bitterly about former aides H.R. (Bob) Haldeman and John D. Ehrlichman. The President's loyal personal aide and valet Manola Sanchez, a Spanish-born immigrant from Cuba whose independence and wit are widely admired, did not hide his feelings.

Speaking bluntly to some of his old friends, he castigated aides he said had betrayed the President. One long-time official, who heard about the Sanchez remarks, commented: "They [Haldeman and Ehrlichman] tried three times to fire him because they couldn't control him. Imagine, trying to fire someone like Manola."

But why did the President always rely on Ehrlichman and Haldeman? The official was asked. "Will we ever know?" he replied. "When Mr. Nixon was Vice President," he recalled, "he demanded that we never abuse the franking privilege. If there was any doubt, we were to use stamps. Everything had to be above board.

"Surely his friendship with Ehrlichman and Haldeman was one of the most expensive in history."

But the President himself, said another long-time aide, must have been two persons, the one who was motivated by high ideals and another who connived and schemed with his favorite gut-fighters.

One man who worked through most of the first Nixon term said he saw the President angry only once. Often he would say, "That will be tough politically, but we must do the right thing."

When that official left his post after nearly four years of intimate association with the President, he told his wife: "I've never gotten to know what sort of man he is."

One official, who has known Mr. Nixon well for many years and remains a White House aide, commented: "He is obviously a bad judge of character. But a lot was accomplished. So much more could have been accomplished but for these fun and games. It was such a stupid thing to happen."

The march of events that brought about the President's downfall turned its last corner Monday when Mr. Nixon released the partial transcripts of three taped conversations he held on June 23, 1972 with Haldeman.

It seemed inevitable then that this would be his last week in office, yet he continued to fight back and to insist that he would not resign. On Tuesday, the President held a Cabinet meeting and told his official family that he would not resign.

On Wednesday, however, the end appeared near, for his support on Capitol Hill was disappearing at dizzying speed. There were demands from some of his staunchest supporters that he should resign at once.

Late Wednesday, the President met with Senate Minority Leader Hugh Scott (R-Pa.), House Minority Leader John J. Rhodes (R-Ariz.) and Sen. Barry M. Goldwater (R-Ariz.).

They said afterward that the President had made no decision, but it was obvious later that for all intents and purposes the decision had been made despite what the leaders said. They obviously could not make the announcement for him, but it must have been apparent to them that the end was at hand.

Later Wednesday, Secretary of State Henry A. Kissinger twice conferred with Mr. Nixon, first in the early evening for half an hour and then from 9:30 p.m. until midnight.

It was not known whether the two men were alone or accompanied by Haig and others.

Yesterday, Kissinger met with principal deputies in the State Department to tell them what to expect and to assign tasks to different people. Messages will be sent to heads of state to notify them formally of the change.

A White House spokesman said more than 10,000 telephone calls were received in the past two days expressing "disbelief and the hope that the President would not resign."

Thursday was a wet, humid August day, but despite intermittent rain the crowds packed the sidewalks in front of the White House. It was an orderly crowd, resigned and curious, watching newsmen come and go and being a part of a dramatic moment in the life of the nation.

Not Nixon, Exactly.

0
0

Timepublished 13/05/2013 at 20:54 by Joe Klein

I may have swung a bit too hard, putting Barack Obama’s Administration in the same league as Franklin Roosevelt’s and Richard Nixon’s when it comes to the Internal Revenue Service. The situation remains a major embarrassment, though.



Richard Nixon

 

The most important difference is that the Roosevelt and Nixon IRS depredations came from the White House. This mess seems to have percolated from the middle–the IRS’s Cincinnati office (a major facility, by the way)–up to the upper-middle. It was an overreaction, to be sure–but, as Ezra Klein explains, it was a response to a very real problem: how do you draw the line between political advocacy, which is a taxable activity, and policy advocacy, which is not, if the advocate organizes itself as a 501(c)4? Here’s Ezra:

Let’s try to keep two things in mind simultaneously: The IRS does need some kind of test that helps them weed out political organizations attempting to register as tax-exempt 501(c)4 social welfare groups. But that test has to be studiously, unquestionably neutral.

The story thus far seems both chilling and cheering. Employees at the agency’s Cincinnati branch did employ a test that, in effect, targeted tea party groups. Whether they meant it to be discriminatory or they simply created one that was discriminatory is in contention, but ultimately immaterial. The IRS, more so than almost any other agency, must act in ways above reproach.

But when the Cincinnati group explained their test to IRS exempt organizations division chief Lois G. Lerner, she objected to it and it was changed. A few months later, the IRS would release new guidance that suggested scrutinizing “political action type organizations involved in limiting/expanding Government, educating on the Constitution and Bill of Rights, social economic reform movement,” and after that, “organizations with indicators of significant amounts of political campaign intervention (raising questions as to exempt purpose and/or excess private benefit.)”

The context for all this is that after Citizens United and some related decisions, the number of groups registering as 501(c)4s doubled. Because the timing of that doubling coincided with a rise in political activism on the right rather than the left, a lot of the politicized groups attempting to register as 501(c)4s were describing their purpose in tea party terms. A popular conceit, for instance, was that they existed to educate on the Constitution — even if the particular pedagogical method meant participating in Republican Party primaries and pressuring incumbent politicians.

In looking for that kind of language in 2010, the Cincinnati employees were attempting to create a usable shortcut. Like Willie Sutton robbing banks, they were going where the action was. But they needed a clearer test that also identified the language of the left, even if left-leaning groups weren’t exhibiting the same surge in activism. And, frankly, it shouldn’t have been left to career employees in Cincinnati. The IRS needed clearer rules coming from the top. But the top didn’t know what to do with these 501(c)4s, in part because it feared a situation precisely like this one.

It is worth remembering an important fact here: The IRS is supposed to reject groups that are primarily political from registering as 501(c)4s. If they’re going to do that, then they need some kind of test that helps them flag problematic applicants. And that test will have to be a bit impressionistic. It will mean taking the political rhetoric of the moment and watching for it in applications. It will require digging into the finances and activities of groups on the left and the right that seem to be political even as they’re promising their activities are primarily non-political.

If we’re not comfortable with that, then we need to either loosen the definition of 501(c)4s or create a new designation that gives explicitly political groups the benefits of the 501(c)4s (namely, they don’t have to pay taxes and they can keep their donors anonymous). But either way, as I wrote on Friday, the only way to make sure this doesn’t keep happening is for the IRS — or the Congress and White House that control it — to make some tough decisions about 501(c)4s.

Richard Nixon: Abortion is “Necessary When You Have a Black and a White”

0
0

LifeNewspublished 23/01/2014 at 12:35 PM by Albert Mohler



January 22, 2014, is the 41st anniversary of one of the darkest days in American history — the day that the United States Supreme Court handed down the Roe v. Wade decision legalizing abortion on demand. Since that date, almost 55 million unborn babies have been aborted in American wombs.

Richard Nixon

 

America has been at war over abortion for the last four decades and more. When the U.S. Supreme Court handed down its decision in Roe v. Wade, the court’s majority attempted to put an end to the abortion question. To the contrary, that decision both enlarged and revealed the great moral divide that runs through the center of our culture.

Most Americans seem completely unaware of the actual contours of the abortion debate as it emerged in the early 1970s. In 1973, the primary opposition to abortion on demand came from the Roman Catholic Church. Evangelicals — representative of the larger American culture — were largely out of the debate. At that time, a majority of evangelicals seemed to see abortion as a largely Catholic issue. It took the shock of Roe v. Wade and the reality of abortion on demand to awaken the Evangelical conscience.

Roe v. Wade was championed as one of the great victories achieved by the feminist movement. The leaders of that movement claimed — and continue to claim — that the availability of abortion on demand is necessary in order for women to be equal with men with respect to the absence of pregnancy as an obstacle to career advancement. Furthermore, the moral logic of Roe v. Wade was a thunderous affirmation of the ideal of personal autonomy that had already taken hold of the American mind. As the decision made all too clear, rights talk had displaced what had been seen as the higher concern of right versus wrong.

Also missing from our contemporary cultural memory is the fact that many Republicans, as well as Democrats, welcomed Roe v. Wade as the next step in a necessary process of liberating human beings from prior constraints. Yet, we now know that even more was at stake.

Tapes recently released by the Nixon Presidential Library reveal that President Richard M. Nixon, who had been considered generally opposed to abortion, told aides on January 23, 1973 (the day after the decision was handed down) that abortion was justified in certain cases, such as interracial pregnancies.

“There are times when abortion is necessary. I know that. When you have a black and a white,” said Nixon. President Nixon’s words, chilling as they are, are also a general reflection of the moral logic shared by millions of Americans in that day.

As a matter of fact, one of the dirty secrets of the abortion rights movement is that its earliest momentum was driven by a concern that was deeply racial. Leaders such as Margaret Sanger, the founder of Planned Parenthood, argued quite openly that abortion and other means of birth control were necessary in order to limit the number of undesirable children. As she made clear, the least desirable children were those born to certain ethnically and racially defined families. Sanger, along with so many other “progressive” figures of the day, promoted the agenda of the eugenics movement — more children from the “fit” and less from the “unfit.”

President Nixon, speaking off-the-cuff about the Roe v. Wade decision handed down just the day before, did register his concern that the open availability of abortion would lead to sexual permissiveness and a further breakdown of the family. Nevertheless, he carefully carved out an exception for interracial pregnancies.

Nixon’s comment, made almost 40 years ago, was strangely and creepily echoed in comments made by Supreme Court associate Justice Ruth Bader Ginsburg. In an interview published in The New York Times Magazine, Justice Ginsburg made her absolute support of abortion on demand unconditionally clear. She tied her support for abortion to the larger feminist agenda and lamented the passage of the Hyde Amendment which excludes the use of Medicaid for abortions. The Supreme Court upheld the Hyde amendment in 1980, surprising Ginsburg, who commented:

“Frankly I had thought at the time Roe was decided, there was concern about population growth and particularly growth in populations that we don’t want to have too many of. So that Roe was going to be then set up for Medicaid funding for abortion.”

Justice Ginsburg’s comments were made in the context of comments about her hopes for feminism and her anticipation of being joined at the court by Justice Sonia Sotomayor, then about to begin confirmation hearings. The larger context of Justice Ginsburg’s comments do not provide much assistance in understanding whether she was speaking of her own personal convictions or describing what was being thought by others at the time.

Of greatest importance is the fact that Justice Ginsburg’s comments reveal the racial, economic, and ethnic discrimination that was at the very heart of the push for abortion on demand throughout much of the 20th century. Also revealed is Justice Ginsburg’s virtually unrestricted support for a woman’s right to an abortion. In the interview, she goes so far as to lament the fact that the language of Roe v. Wade mentioned abortion is a decision made by the woman and her physician. As Justice Ginsburg told The New York Times, “So the view you get is the tall doctor and the little woman who needs him.”

The American conscience remains deeply divided over the question of abortion. Tragically, we have never experienced a sustained, reasonable, and honest discussion about abortion in the society at large. One step toward the recovery of an ethic of life would be an honest discussion about the actual agenda behind the push for abortion on demand. Proponents of abortion rights do everything they can to hide the ugliness of the agenda behind the comments made by President Nixon and Justice Ginsburg.  Nevertheless, the truth has a way of working itself into view.

Just take a good look at the comments made by the late President and the current Justice. Furthermore, ask yourself why there is such racial disparity in abortion. Those comments turn more chilling by the day.

LifeNews Note: Albert Mohler is a Baptist theologian and radio program host who is the Southern Baptist Theological Seminary president.

Jane Wyatt, 96; `Father Knows Best' mom

0
0

Los Angeles Timespublished 23/10/2006 at 09:30 by Dennis McLellan

Jane Wyatt, a three-time Emmy Award-winner for her portrayal of the patient, understanding housewife and mother on the classic 1950s family situation comedy "Father Knows Best," has died. She was 96.

Wyatt JaneWyatt, whose acting career spanned stage, screen and television over seven decades, died Friday in her sleep at her Bel-Air home, grandson Nicholas Ward said.

A Broadway veteran who made her screen debut in 1934, Wyatt appeared in more than 30 movies in leading and supporting roles, including "None But the Lonely Heart" with Cary Grant, "Gentleman's Agreement" with Gregory Peck, "Canadian Pacific" with Randolph Scott, "Task Force" with Gary Cooper, "Boomerang" with Dana Andrews and "Pitfall" with Dick Powell.

Her most memorable screen role was the ethereal young Shangri-la beauty who enchants Ronald Colman in "Lost Horizon," Frank Capra's 1937 film version of the James Hilton novel.

But Wyatt, who regularly left Hollywood to return to Broadway in the 1930s and '40s, never attained the kind of stardom on the big screen that she achieved on television opposite Robert Young on "Father Knows Best."

As the warm and charming Jim and Margaret Anderson, Young and Wyatt presided over their idealistically wholesome family at 607 South Maple Street in the typical Midwestern community of Springfield.

The series, which ran from 1954 to 1960 and in prime-time reruns for three more years, featured Elinor Donahue as eldest child Betty, or "Princess"; Billy Gray as Bud; and Lauren Chapin as Kathy, or "Kitten."

"Father Knows Best" began on radio in 1949 starring Young and Jean Vander Pyl. But Young and Eugene Rodney, Young's partner in ownership and production of the series, wanted Wyatt to play his wife on television.

When she was originally offered the role, however, Wyatt turned it down.

"I'd been doing a lot of live TV drama in which I was the star," she said in a 1990 interview with the Toronto Star. "I didn't want to be just a mother."

But months later, Wyatt's investment-broker husband, Edgar Ward, whom she married in 1937, told her she should give the script another read. She did, and, she recalled, "It changed my life."

When the show debuted in 1954, a reviewer for the New York Times praised Young and Wyatt for restoring "parental prestige on TV." The same year, the series won a Sylvania Award for excellence.

"Our shows were written to be entertaining, but the writers had something to say," she told the Associated Press in 1989. Every script, Wyatt said, "always solved a little problem that was universal. It appealed to everyone. I think the world is hankering for a family. People may want to be free, but they still want a nuclear family."

Wyatt was proud of the series, which has been criticized for not being a realistic portrayal of American family life.

"We thought it was," she told The Times in 1986, speaking for herself and Young. "We, each of us, has been married for 50 years. It is what we wanted to do for our children. We can't have it exactly like life; it would be too boring. We all thought it was life -- as we wanted it to be."

Wyatt also disagreed with latter-day critics who complain that Margaret Anderson was always subordinate to her husband. "She was the power behind the throne," she said. "She helped her husband out. Mother always knew best, too."

During the show's heyday, Wyatt said, many viewers thought she and Young were really married.

"In fact, once I even thought I was Mrs. Jim Anderson," she said in a 1960 interview. "We were doing some personal appearances in Seattle, and when I checked into the hotel the clerk said, 'Why, you're Mrs. Jim Anderson.' I smiled, looked down at the register and before I knew, it, I had written 'Mrs. Jim Anderson.' "

During those years, she recalled in a later interview, she spent more time with Young than she did with her real husband.

"I remember once going over to the Youngs' house for a dinner party," she said, "and when I walked in, I fixed Bob's tie without even thinking about it."

Wyatt was also often asked if the children on the show were really hers.

She said she became close to Donahue, Gray and Chapin, "but you can never take the place of a real mother. I finally figured out that our relationship was more like a favorite aunt with her favorite nieces and nephews."

Wyatt, a mother of two sons, said she used to find herself correcting her TV offspring "just as I would my own children. But I guess the main difference was that I didn't feel the terrible responsibility that a real mother feels for her children."

Wyatt won her Emmys for the series in 1958, '59 and '60, the same year she received a citation from the California Assembly for "consistency in outstanding performance as Margaret Anderson in 'Father Knows Best.' "

Young, who died in 1998 at age 91, decided to end the top 10-rated show in 1960 because he felt it had used up all the potential story lines and the characters played by Donahue and Gray had grown up.

The cast was reunited for two TV movies in the late 1970s: "The Father Knows Best Reunion" and "Father Knows Best: Home for Christmas."

"They were fun to do, but enough is enough," Wyatt said in 1990. "People like the original show precisely because it's of another era. Why bore them by growing old?"

Wyatt was born Aug. 12, 1910, in Campgaw, N.J. Her father, Christopher Wyatt, was a New York investment banker, and her mother, Euphemia Van Rensselaer Wyatt, was a playwright, drama critic and editor.

Wyatt majored in history and took drama courses at Barnard College, but she left after two years to become an apprentice at the Berkshire Playhouse in Stockbridge, Mass.

She made her first appearance on the New York stage in "Give Me Yesterday" in 1931 and in 1933 succeeded Margaret Sullivan in "Dinner at Eight" on Broadway.

Signed to a short-term contract by Universal in 1934, she made her screen debut that year playing the heroine's supportive sister in James Whale's "One More River." Her first female on-screen lead was in "Great Expectations" in 1934.

Throughout the late '30s and '40s, she alternated between stage and screen, including starring on Broadway in 1945 opposite Franchot Tone in "Hope for the Best."

Wyatt had a brush with the Hollywood blacklist for several years in the early 1950s, when her film work dried up.

Wyatt, who had joined Humphrey Bogart, Lauren Bacall and other Hollywood stars on a flight to Washington in 1947 to protest the House Un-American Activities Committee hearings, told the Chicago Tribune in 1989 that she would get a job offer on a film, "then all of a sudden it would be rescinded."

"I was never a member of the Communist Party, but they brought up all sorts of charges that I had been to the Lab Theater, which was considered subversive," she said. "All we did there were the classics, 'Volpone,' 'The Cherry Orchard.' I still don't know how they managed to find a Marxist subtext in [Georges] Feydeau" -- a turn-of-the-century French playwright known for his sex farces.

Wyatt also was labeled as having been "prematurely anti-fascist" because she opposed Hitler before the United States entered the war.

"I attended a concert by the L.A. Philharmonic calling for a second front against the Nazis," she said. "I don't know why that was held against me, because [Franklin] Roosevelt was calling for a second front at the same time."

After "Father Knows Best" ended, Wyatt continued acting, including an appearance as Spock's mother on TV's "Star Trek," a role she reprised in the 1986 film: "Star Trek IV: The Voyage Home." She also was moderator-host of an ABC daytime series, "Confidential for Women," in 1967.

Over the next three decades, she continued to appear in regional theater and make TV guest shots, including a recurring role as Norman Lloyd's (Dr. Auschlander's) wife on "St. Elsewhere."

Wyatt was heavily involved in charity work, especially the March of Dimes, for which she had worked since its founding in 1938. She also was involved with Los Angeles Beautiful, a civic beautification program, for many years.

Decades after leaving "Father Knows Best" behind, Wyatt was often recognized in public as the iconic Margaret Anderson. But in a 1990 interview, she acknowledged that she wasn't much like her famously domesticated TV character.

"I never vacuumed at home wearing my pearls," she said. "In fact, I never vacuumed at all; I was always working at the studio.

"I would have gone crazy staying at home like Margaret Anderson, and my family knew that."

Wyatt is survived by sons Christopher Ward of Piedmont, Calif., and Michael Ward of Los Angeles; two grandsons; a granddaughter; and seven great-grandchildren.

Services will be private, and instead of flowers the family asks that donations in Wyatt's name be made to the March of Dimes.

Henry King

0
0

Los Angeles Timespublished 01/07/1982 at 09:38 by Richard West

Actor | Director - Born June 24, 1886 in Christiansburg, Va. - Died June 29, 1982 in Toluca Lake, CA

King HenryPioneer film director Henry King's unerring eye for the right actor, landscape and architecture made many of his movies classics of Americana.

Although never as publicized as other film industry pioneers, King was one of the giants of the industry. He was a contemporary of D.W. Griffith and a founding member of the Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

King reached his peak with his Americana films in the 1930s. They included "State Fair" with Will Rogers, "Ramona" with Loretta Young and Don Ameche, and "Alexander's Ragtime Band," "Jesse James" and "In Old Chicago" all starring Tyrone Power.

King discovered Power and made him a star, as he had with Ameche, Ronald Colman, Jennifer Jones, Gary Cooper and Jean Peters.

King directed a mustachioed Gregory Peck in "The Gunfighter" in 1950 and Jennifer Jones in "The Song of Bernadette" in 1943 and "Love Is a Many-Splendored Thing" in 1953.

His last film was "Tender Is the Night," based on the F. Scott Fitzgerald novel, in 1961.

In 1915 King found himself in Hollywood acting and directing "Little Mary Sunshine" movies for $100 a picture.

King made his reputation in 1921 with a powerful drama of the silent screen, "Tol'able David," which starred Richard Barthelmess. Other of his best silent films are "The White Sister (1923), Colman's debut "Stella Dallas" (1925) and "The Winning of Barbara Worth" (1926), which introduced Cooper.

Robin Dany

0
0

Robin DanyDany Robin, née le 14 avril 1927 à Clamart, Hauts-de-Seine, et morte le 25 mai 1995 à Paris 16e, est une actrice française.. Elle devient «petit rat» de l’Opéra de Paris à l’âge de onze et s’illustre d’abord comme jeune danseuse avant de décrocher en 1944, un premier petit rôle, dans un mélodrame tiré d’un roman de Pierre Benoît, adapté par Marc Allégret «Lunegarde» (sorti début 1946) avec Gaby Morlay. Au début des années cinquante, la jeune femme a déjà à son actif une quinzaine de films dont quatre avec Georges Marchal, qu’elle épouse en juillet 1951, et dont elle aura deux enfants.

Elle devient la véritable coqueluche du public avec son charmant «minois» et son tempérament primesautier qui ne lui attire pas toujours la faveur des journalistes, elle se voit même décerner un prix «citron» pour l’aigreur de son caractère vis-à-vis de la profession. Elle est à l’affiche de nombreux succès, en général des comédies. Dans «Mademoiselle Modiste» (1951) de l’Allemand Emil Edwin Reinert, Claude Dauphin et Henri Vidal sont ses soupirants. En 1953 elle donne la réplique à Amedeo Nazzari, transformé en sans-culotte dans «Les révoltés de Lomanach» de Richard Pottier, et à Jean Marais pour «Les amants de minuit» et «Julietta» d’après le roman de Louise de Vilmorin sur un scénario de Françoise Giroud.

La même année Dany Robin est l’épouse de Kirk Douglas dans «Un acte d’amour» de Anatole Litvak. Suivra notamment, en 1954, un très sympathique film de cap et d’épée de André Hunebelle «Cadet Rousselle» avec Bourvil et François Périer dans le rôle-titre. En 1955, Dany est la vedette de «Frou-Frou» dernière œuvre très parisienne du cinéaste romain Augusto Genina, ou elle partage l’affiche avec Gino Cervi, Philippe Lemaire et Louis de Funès. Dany est aussi une très convaincante Désirée Clary, d’abord fiancée de Bonaparte joué par Daniel Gélin puis épouse de Bernadotte et reine de Suède dans le «Napoléon» de Sacha Guitry. Elle apparaît comme l’archétype de la piquante parisienne dans de nombreuses productions dont le film franco-allemand «Bonsoir Paris/Süss ist die Liebe in Paris» (1956) de Ralph Baum avec Adrian Hoven et bien sûr «Mimi Pinson» de Robert Darène, avec le jeune Patrick Dewaere qui joue son frère. Mais elle se laisse aussi séduire par Jean-Pierre Mocky qui l’entraîne dans l’aventure de son premier long métrage «Les dragueurs» (1959).

Dans les années soixante la carrière de Dany Robin s’internationalise plus encore. Elle dans La «Les femmes du général» (1961) elle a pour partenaire Peter Sellers, en général britannique libertin. Elle est Michèle, une Française qui retrouve un officier de la marine nord-américaine en escale en Italie dans le très justement intitulé «En suivant mon cœur» (1963) de Richard Thorpe. Mais elle est aussi l’épouse de Frederick Stafford qui interprète un agent secret français dans «L’étau» (1969) de Alfred Hitchcock. C’est le dernier film de l’actrice qui vient de fêter ses quarante-deux ans et qui n’a pas arrêté de tourner depuis deux décennies. 1968, c’est aussi l’année de son divorce et de son remariage avec un producteur britannique, Michael Sullivan.

Le public n’entendra plus guère parler de Dany Robin si ce n’est pour découvrir avec horreur l’annonce de son décès, ainsi que celui de son mari, le 25 mai 1995, dans un hôpital parisien, quelques heures après avoir été grièvement brûlés dans l’incendie de leur appartement.

videoFilmographie

  • 1943 : Premier prix du conservatoire de René Guy-Grand (Court métrage)
  • 1944 : Lunegarde de Marc Allégret
  • 1946 : Les Portes de la nuit de Marcel Carné : Étiennette
  • 1946 : Six heures à perdre de Alex Joffé et Jean Levitte : Rosy
  • 1947 : Le silence est d'or de René Clair : Lucette
  • 1947 : Le destin s'amuse de Emil-Edwin Reinert : Gabrielle
  • 1947 : L'Éventail de Emil-Edwin Reinert : Martine
  • 1947 : Une jeune fille savait de Maurice Lehmann : Corinne
  • 1947 : Les amoureux sont seuls au monde de Henri Decoin : Monelle Picart
  • 1949 : La Passagère de Jacques Daroy : Nicole Vernier
  • 1949 : La Voyageuse inattendue de Jean Stelli : Dany
  • 1949 : La Soif des hommes de Serge de Poligny : Julie
  • 1949 : Au p'tit zouave de Gilles Grangier : Hélène
  • 1949 : Vedettes en liberté de Jacques Guillon (Court métrage)
  • 1949 : Autour d'une collection de Jean-Claude Huisman (Court métrage)
  • 1951 : Le Plus Joli Péché du monde de Gilles Grangier : Zoé
  • 1951 : Deux sous de violettes de Jean Anouilh : Thérèse Delbez
  • 1951 : Une histoire d'amour de Guy Lefranc : Catherine Mareuil
  • 1952 : Douze heures de bonheur / Jupiter de Gilles Grangier : Yvette Cornet
  • 1952 : Elle et moi de Guy Lefranc : Juliette
  • 1952 : La Fête à Henriette de Julien Duvivier : Henriette
  • 1953 : Les Amants de minuit de Roger Richebé : Françoise Letanneur
  • 1953 : Un acte d'amour (Act of love) d'Anatole Litvak : Lise Gudayec/Madame Teller
  • 1953 : Julietta de Marc Allégret : Julietta Valendor
  • 1954 : Les Révoltés de Lomanach de Richard Pottier : Monique de Lomanach
  • 1954 : Quelques pas dans la vie (Tempi nostri) de Alessandro Blasetti : Her
  • 1954 : Cadet Rousselle d'André Hunebelle : Violetta Carlino
  • 1954 : Escale à Orly de Jean Dréville : Michèle Tellier
  • 1955 : Napoléon de Sacha Guitry : Désirée Clary
  • 1955 : Frou-Frou de Augusto Genina : Antoinette Dubois dit Frou Frou
  • 1955 : Paris canaille de Pierre Gaspard-Huit : Penny Benson
  • 1956 : C'est arrivé à Aden de Michel Boisrond : Eléonore 'Nora' de Savigny
  • 1956 : Bonsoir Paris, bonjour l'amour de Ralph Baum : Annick Bernier
  • 1957 : Le Coin tranquille / Déshabillez-vous Madame de Robert Vernay : Danielle
  • 1957 : L'École des cocottes de Jacqueline Audry : Ginette Masson
  • 1957 : Quand sonnera midi de Edmond T. Gréville : Christine Dumartin
  • 1957 : C'est la faute d'Adam de Jacqueline Audry : Eléonore 'Nora' de Savigny
  • 1957 : Mimi Pinson de Robert Darène : Mimi Pinson
  • 1958 : Suivez-moi jeune homme de Guy Lefranc : Françoise Marceau
  • 1959 : Les Dragueurs de Jean-Pierre Mocky : Denise
  • 1959 : Le Secret du chevalier d'Éon de Jacqueline Audry : La comtesse de Monval
  • 1960 : La Française et l'Amour de Henri Verneuil, dans le sketch : L'adultère : Nicole Perret
  • 1960 : Motif de divorce: l'amour (Scheidungsgrund : liebe) de Cyril Frankel : Marylin
  • 1961 : Conduite à gauche de Guy Lefranc : Catherine
  • 1961 : Les Amours célèbres de Paul Gordeaux, de Michel Boisrond, dans le sketch : Lauzun
  • 1962 : Les Mystères de Paris d'André Hunebelle : Irène
  • 1962 : Les Femmes du Général / Mademoiselle et son dragon (Waltz of the Toreadors) de John Guillermin : Ghislaine
  • 1962 : Les Parisiennes de Marc Allégret : Antonia
  • 1962 : Mandrin, bandit gentilhomme de Jean-Paul Le Chanois : Baronne d'Escourt
  • 1962 : En suivant mon coeur (Follow the Boys) de Richard Thorpe : Michele Perrier
  • 1963 : Comment trouvez-vous ma sœur de Michel Boisrond : Martine Jolivet
  • 1964 : Sursis pour un espion de Jean Maley : Mme Roussel
  • 1965 : La Corde au cou de Joseph Lisbona : Isabelle
  • 1966 : Don't lose your head de Gerald Thomas : Jacqueline
  • 1968 : Le Club des libertins (The Best House in London) de Philip Saville : Babette
  • 1969 : L'Étau (Topaz) d'Alfred Hitchcock : Nicole Devereaux


Télévision3Télévision

  • 1965 : Version grecque (Téléfilm) : Bacchis
  • 1966 : The Dick Emery Show (Série TV)


ThéâtreThéâtre

  • 1947 : L'Invitation au château de Jean Anouilh, mise en scène André Barsacq, Théâtre de l'Atelier
  • 1952 : La Grande Roue de Guillaume Hanoteau, mise en scène Roland Piétri, Théâtre Saint-Georges
  • 1952 : La Grande Oreille de Guillaume Hanoteau, mise en scène Roland Piétri, Théâtre Saint-Georges
  • 1955 : Les Amants novices de Jean Bernard-Luc, mise en scène Jean Mercure, Théâtre Montparnasse
  • 1958 : L'Invitation au château de Jean Anouilh, mise en scène André Barsacq, Théâtre des Célestins
  • 1959 : Un rossignol chantait de Robert Lamoureux, mise en scène et décors Jean Marais, Théâtre des Variétés
  • 1960 : Léocadia de Jean Anouilh, mise en scène Roland Piétri, Théâtre des Célestins
  • 1962 : Le Misanthrope ou l'Atrabilaire amoureux de Molière, mise en scène Pierre Dux, Théâtre de l'Œuvre
  • 1962 : Mais n'te promène donc pas toute nue ! de Georges Feydeau, mise en scène Jacques-Henri Duval, tournée Herbert
  • 1962 : La Seconde Surprise de l'amour de Marivaux, mise en scène Jacques-Henri Duval, tournée Herbert
  • 1963 : Dom Juan ou le Festin de pierre de Molière, mise en scène Pierre Dux, Théâtre de l'Œuvre
  • 1963 : Le Misanthrope de Molière, mise en scène Pierre Dux, Théâtre des Célestins
  • 1963 : Il faut qu'une porte soit ouverte ou fermée d'Alfred de Musset, mise en scène Pierre Dux, Théâtre des Célestins
  • 1965 : Version grecque de Marc-Gilbert Sauvajon, mise en scène Jacques-Henri Duval, Théâtre Montparnasse
  • 1965 : La Dame en blanc de Marcel Achard, mise en scène Jacques-Henri Duval, Théâtre des Célestins, tournée Herbert-Karsenty
  • 1967 : Jean de la Lune de Marcel Achard, mise en scène Jean Piat, Théâtre du Palais-Royal
  • 1967 : Demandez Vicky de Marc-Gilbert Sauvajon, mise en scène Jacques-Henri Duval, Théâtre des Nouveautés

Kalsoum Oum

0
0

Kalsoum OumVenue au monde dans un petit village du delta du Nil, Oum Kalsoum a grandit dans des conditions très modestes. Sa date de naissance reste incertaine, elle varie entre 1898 et 1904 selon les sources. Elle hérite de l’amour de la musique de son père, un imam qui complète ses minces revenus en chantant des chants liturgiques dans les mariages. Elle apprend le chant en écoutant les leçons que son père donne à son frère ainé Khalid. La petite Oum montre alors un talent évident et se produit avec son père, habillée en garçon. Elle se fait remarquer à seize ans par le chanteur Cheikh Abou El Ala Mohamed et par le joueur de luth Zakaria Ahmed qui l’incite à les suivre au Caire.

Au début des années vingt, Oum Kalsoum chante dans des petits théâtres et rencontres deux personnes qui vont changer sa vie, le poète Ahmed Rami et le musicien et compositeur Mohamed El Qasabgi, qui vont lui offrir ses premiers grands succès. Sa voix incomparable remplie les salles égyptiennes et, en 1932, elle fait sa première tournée triomphale dans les pays arabes. Elle enregistre plusieurs disques et, dès la création de la radio égyptienne en 1934, elle élargie son audience et devient la chanteuse la plus populaire de son pays. Son influence ne cesse de croître et de s’étendre au-delà de la scène artistique, la famille royale régnante organise des concerts privés et assiste même à ses représentations publiques.

En 1936, elle fait ses débuts au cinéma dans «Wedad» de Ahmed Badrakhan, Fritz Kamp et Gamal Madkoor, un film romantique inspiré des «Mille et une Nuits» qui remporte un succès considérable. Elle retrouve Ahmed Badrakhan pour quatre autres films entre 1937 et 1947 qui vont contribuer encore à son immense notoriété. À l’apogée de sa carrière dès la fin des années quarante, elle se désintéresse du cinéma pour se consacrer uniquement à son parcours de chanteuse idolâtrée par d’immense foules. En 1953, elle épouse Hassen El Hafnaoui, son médecin personnel.

Femme de caractère, Oum Kalsoum, dès ses premiers succès, a contrôlé tous les aspects de sa carrière. Très tôt elle se sépare de ses imprésarios pour les remplacer par des proches, elle produit ses propres concerts, elle choisit ses accompagnateurs pour ses performances, mais aussi les acteurs et les techniciens pour ses films. Dans les années 1940, elle est devenue membre du Comité d’écoute pour des émissions de radio, et a été élue présidente du syndicat des musiciens. Elle est aussi une activiste politique active suite à la révolution de 1952. En 1966, à la télévision elle demande au peuple de soutenir la candidature à la présidence de Gamal Abdel Nasser. Après la défaite de la guerre des 6 jours en 1967, elle donne une série de concerts au profit de l’Egypte et exhorte les femmes de vendre leurs bijoux pour soutenir l’effort de reconstruction. Elle accorde de plus en plus d’interviews et ses idées pro-Nasser contribuent à l’aspiration de liberté du peuple égyptien. Elle maîtrise également son image et faire des objets qui la caractérisent de véritables fétiches : lunettes noires, chignon serré et mouchoir blanc.

En proie à des problèmes de santé tout au long de sa vie Oum Kalsoum est hospitalisée en janvier 1975 au Caire suite à une crise néphrétique aigüe. L’Astre de L’Orient s’éteint quinze jours plus tard, le 3 février. Son cortège funèbre est un événement national, avec des millions d’égyptiens endeuillés tout le long du parcours. Aujourd’hui encore, elle conserve son statut quasi-mythique parmi les peuples arabes.

videoFilmographie

  • 1936 - Wedad de Ahmed Badrakhan, Fritz Kamp & Gamal Madkoor avec Ahmed Allam
  • 1937- Le chant de l’espoir de Ahmed Badrakhan avec Zaki Toleimat
  • 1939 - Dananir de Ahmed Badrakhan avec Suleiman Naguib
  • 1942 - Aïda, chanteuse du Nil de Ahmed Badrakhan avec Suleiman Naguib
  • 1944 - Sallama de Togo Mizrahi avec Yehia Chahine
  • 1947 - Fatima / Fatma de Ahmed Badrakhan avec Zuzu Shakeeb

Kaminska Ida

0
0

Kaminska IdaIda Kamińska est une actrice polonaise, née le 4 septembre 1899 à Odessa et morte le 21 mai 1980 à New York. Ida Kaminska naît le 4 septembre 1899 à Odessa, grande ville portuaire de l’Empire Russe (aujourd’hui en Ukraine). Fille d’artistes, sa mère n’est autre que Esther Rachel Kaminska, grande comédienne de la scène yiddish, et son père, Abraham Izaak Kaminski, est réalisateur et producteur.

Elle a une sœur Regina, qui deviendra également comédienne, et un frère Josef, dont la carrière s’orientera vers la musique. Ida Kaminska commence sa carrière à l’âge de cinq ans sur scène. C’est à treize ans qu’elle fait ses premiers pas devant la caméra de Andrzej Marek pour «Mirele efros» (1912), un court-métrage polonais, également interprété par sa mère et sa sœur. Son parcours cinématographique est relativement brève, préférant le théâtre au septième art.

En 1913, elle apparaît encore une fois aux cotés de sa sœur dans «Gots shtrof», sous la direction de leur père Abraham Izaak Kaminski, puis dans «Zayn vaybs man», avec Samuel Landau et Ajzyk Samberg. Ida Kaminska met sa carrière cinématographique entre parenthèses durant dix ans pendant lesquels elle éblouie de sa prestance la scène du théâtre juif polonais. Elle revient vers le cinéma en 1923 pour «Tkies Khaf», réalisé par Zygmunt Turkow, avec également Joseph Bulloff, un autre grand nom du théâtre yiddish et Jacob Mestel. Durant les quinze années suivantes, Ida Kaminska retourne à ses premières amours, le théâtre, puis joue en 1938 dans «On a haym», une adaptation de la célèbre pièce de théâtre écrite par le très prolifique Jacob Gordin, réalisé par Aleksander Marten, qui sera la dernière production polonaise tournée en langue yiddish.

La seconde guerre mondiale éclate, n’ayant plus le droit d’exercer son métier, Ida Kaminska fuit son pays et se réfugie aux Etats-Unis. Elle revient en Pologne en 1945 et reprend ses activités théâtrales. En 1948, l’année ou l’état d’Israël proclame son indépendance, elle participe au premier documentaire mettant en avant des artistes juifs polonais, «The Jewish people live» et apparaît dans le film de Aleksander Ford «Ulica Graniczna» pour un petit rôle non crédité au générique. Le théâtre polonais reprend son essor et Ida Kaminska prend le chemin des planches durant dix-huit ans, voulant, dit elle rattraper le temps que tous les acteurs juifs polonais ont perdu lorsqu’ils ont été obligé de fuir ou de se cacher face au régime nazi. En 1965, elle est la vedette du «Miroir aux alouettes», un drame sur fond de seconde guerre mondiale, réalisé par Ján Kadár et Elmar Klos.

L’actrice est nominée pour l’Oscar de la meilleure actrice. La statuette est finalement décernée à Elizabeth Taylor, mais le film reçoit l’Oscar du meilleur film étranger. À Cannes, lors du festival de 1968, Ida Kaminska et son partenaire Jozef Króner reçoivent une mention spéciale pour leur interprétation. En 1967, elle tourne, pour la première fois, pour la télévision polonaise «Czarna suknia» dirigée par Janusz Majewski. En 1969, de retour au USA, elle donne la réplique à Harry Belafonte, Zero Mostel et Eli Wallach, dans «The angel Levine» ou elle retrouve Ján Kadár derrière la caméra. Ce sera sa dernière apparition à l’écran. Ida Kaminska nous quitte le 21 mai 1980, à l’âge de quatre-vingt-un ans, des suites de complications cardiaques. Elle est enterrée dans la section des comédiens, dans le cimetière juif du Mont Hébron à Flushing, dans l’état de New York.

videoFilmographie

  • 1912 : Mirele Efros d'Andrzej Marek : Szlojmele
  • 1913 : Gots shtrof d'Abraham Izaak Kamiński
  • 1924 : Tkies khaf de Zygmunt Turkow : Rachel Kronenberg
  • 1939 : On a heym d'Aleksander Marten : Bas Szewa
  • 1948 : La vérité n'a pas de frontière (Ulica graniczna) d'Aleksander Ford : Helena
  • 1965 : Obchod na korze de Ján Kadár et Elmar Klos : Rozalie Lautmann
  • 1970 : The Angel Levine de Ján Kadár : Fanny Mishkin

 

Karenne Diana

0
0

Karenne DianaDiana Karenne, née Leucadia Konstantia, voit le jour en 1888, suivant certaines sources à Dantzig ou d’autres à Szczecin, toutes deux villes de Prusse Occidentale de l’Empire Germanique. Elle arrive en Italie en 1914. Elle devient une grande star du cinéma italien grâce à «Passione tzigana», réalisé par Ernesto Maria Pasquali. De 1916 à 1922, Diana Karenne est la vedette de, entre autres, «La contessa Arsenia» (1916) de Ernesto Maria Pasquali, «Catena» (1916), «Redenzione» (1919) de Carmine Gallone, «La fiamma e la cenere» (1919), «Zoya» (1920), «Miss Dorothy» (1920), «Smarrita» (1921) tous de Guilio Antamoro et «Dante nella vita e nei tempi suoi» (1922) de Domenico Gaido.

Jusqu’en 1920, Diana Karenne réalise en outre plusieurs films dans lesquels elle interprète aussi le rôle principal: «Il romanzo di Maud» (1917) avec Francesco Cacase, «Pierrot» (1917) avec Vittorina Moneta, «La damina di porcellana» (1917) avec Alberto Capozzi, «La signora delle rose» 1919) avec André Habay, «La veggente» (1920) avec Romano Calò, etc….

Dès le début des années vingt, Diana Karenne poursuit sa carrière en Allemagne et en France. En Allemagne, elle est alors l’interprète notamment de: «Das spiel mit dem feuer» (1921) de Georg Kroll et Robert Wiene, «Marie Antoinette, das leben einer königin» (1922) de Rudolf Meinert, «Les crues printanières» (1923) de Nikolai Malikoff, «Die frau von vierzig jahren» (1925) de Richard Oswald, «Raspoutine» (1928) de Martin Berger et «Les roses blanches de Gilmore» (1928) de Rudolf Meinert. En France: «Le sens de la mort» (1922) de Yakov Protazanov, «L’ombre du péché» (1923) toujours de Protazanov et «L’affaire du collier de la reine » (1929) de Gaston Ravel et Tony Lekain. Elle ne revient en Italie que pour «La vena d’oro» (1928) de Guglielmo Zorzi.

En 1926, Diana Karenne incarne la Duchesse Maria de Lady, auprès de Yvan Mosjoukine et de Suzanne Bianchetti, dans «Casanova», une superproduction française dirigée par le cinéaste russe Alexandre Volkoff. Des rôles sur mesure pour les trois vedettes, dans cette reconstitution historique aux décors somptueux dans la Venise libertine du carnaval, qui reste sans conteste le film le plus connu de sa carrière. L’année suivante, elle fait partie de la distribution de «L’enfer de l’amour», aux côtés de Henri Baudin, Olga Tschechowa, Hans Stüwe, Angelo Ferrari, une coproduction Russo-italo-franco-germano-polonaise réalisée par Carmine Gallone et Wiktor Bieganski. En 1930, alors que le parlant remplace définitivement le muet, Diana disparaît des écrans. Elle ne fait plus par la suite qu’une apparition dans «Manon Lescaut» (1940), où elle retrouve Carmine Gallone, une production italienne tirée de l’œuvre de l’Abbé Prévost, dont les têtes d’affiche sont Vittorio De Sica et Alida Valli. Grièvement blessée lors d’un bombardement, en juillet 1940 à Aix-la-Chapelle, Diana Karenne meurt quelques mois plus tard, sans être sortie du coma. C’était le 14 octobre 1940, dans un hôpital de cette même ville.

videoFilmographie

  • 1916 : Quand l'amour réfleurit de Ernesto Maria Pasquali
  • 1916 : La contessa Arsenia de Ernesto Maria Pasquali
  • 1916 : Oltre la vita, oltre la morte de Ernesto Maria Pasquali
  • 1916 : Lea de Diana Karenne : Lea
  • 1916 : Il marchio de Armand Pouget
  • 1917 : Il fiacre n. 13 de Alberto Capozzi et Gero Zambuto
  • 1917 : Il romanzo di Maud de Diana Karenne
  • 1917 : Pierrot de Diana Karenne
  • 1917 : Justice de femme ! de Diana Karenne
  • 1917 : La Damina di porcellana de Diana Karenne
  • 1918 : Passion tzigane de Umberto Paradisi
  • 1918 : Trittico italiano réalisateur inconnu
  • 1919 : Lucrezia Borgia de Augusto Genina
  • 1919 : La peccatrice casta de Diana Karenne et Gennaro Righelli
  • 1919 : Sleima de Diana Karenne
  • 1919 : Redenzione de Carmine Gallone et Godofredo Mateldi
  • 1919 : La signora dalle rose de Diana Karenne
  • 1919 : La fiamma e la cenere de Giulio Antamoro
  • 1920 : Zoya de Giulio Antamoro
  • 1920 : Miss Dorothy de Giulio Antamoro
  • 1920 : La veggente de Diana Karenne
  • 1920 : La studentessa de Umberto Fracchia
  • 1920 : Ave Maria de Memmo Genua et Diana Karenne
  • 1920 : Indiana de Umberto Fracchia
  • 1920 : Sophy of Kravonia; or, The Virgin of Paris de Gerard Fontaine : Sophy
  • 1921 : Smarrita! de Giulio Antamoro
  • 1921 : Das Spiel mit dem Feuer de Georg Kroll et Robert Wiene
  • 1922 : Le Sens de la mort de Yakov Protazanov
  • 1922 : Dante nella vita e nei tempi suoi de Domenico Gaido
  • 1922 : Marie Antoinette - Das Leben einer Königin de Rudolf Meinert : Marie Antoinette
  • 1923 : L'Ombre de péché de Yakov Protazanov :
  • 1923 : Arme Sünderin de Pier Antonio Gariazzo : Nell
  • 1924 : Frühlingsfluten de Nikolai Malikoff
  • 1925 : Die Frau von vierzig Jahren de Richard Oswald : die Frau
  • 1927 : Casanova de Alexandre Volkoff : Maria, Duchesse de Lardi
  • 1928 : L'Enfer d'amour (Liebeshölle) de Wiktor Bieganski et Carmine Gallone
  • 1928 : Rasputins Liebesabenteuer de Martin Berger : Zarin
  • 1928 : Eine Frau von Format de Fritz Wendhausen : Fürstin Petra
  • 1928 : La vena d'oro de Guglielmo Zorzi
  • 1929 : Le Collier de la reine (ou L'Affaire du collier de la reine) de Tony Lekain et Gaston Ravel : Marie-Antoinette / Oliva
  • 1929 : Les Roses blanches de Gilmore ou Les Roses de Gilmore (Die weißen Rosen von Ravensberg) de Rudolf Meinert : Maria von Ravensberg
  • 1929 : Fécondité de Henri Étiévant et Nicolas Evreinoff
  • 1940 : Manon Lescaut de Carmine Gallone

Kastner Bruno

0
0

Kastner BrunoBruno Richard Otto Kastner voit le jour le 3 janvier 1890, à Forst-Lausitz, ville de l’Empire Germanique, frontalière avec la Pologne. Après ses études au collège de Fürstenwalde, il effectue son service militaire, mais au bout de quelques jours, il est reformé pour raison de santé. Il décide de se lancer dans une carrière artistique à Berlin. Après un premier engagement au Stadttheater de Hambourg, il parcourt l’Empire avec une troupe de comédiens ambulants.

En 1911, Bruno Kastner s’installe définitivement à Berlin. Il joue les amoureux transit et les bellâtres dans quelques pièces sans grand succès. Il débute au cinéma, en 1913, dans «Le petit ange» aux côtés de la vedette Asta Nielsen. La même année, il se marie avec une autre grande actrice: Ida Wüst. La chance lui sourit lorsque la première guerre mondiale éclate. Réformé de toutes obligations militaires, Bruno tourne dans des dizaines de films. Bien qu’il ne soit pas un excellent acteur, il conquiert des millions de cœurs féminins. Il est beau, jeune et la plupart des hommes sont sur le front, il devient alors un des artistes les plus populaires de cette époque. Parmi ses plus grands triomphes, nous pouvons citer: «Hilde Warren et la mort» (1917) avec Mia May, «Die krone von Kerkyra» (1917) avec Mady Christians, «Die buchhalterin» (1918) avec Lotte Neumann, «Der gattestellvertreter» (1918) avec Käthe Haack et «Das herz des Casanova» (1919) avec Ria Jende.

Au début des années vingt, Bruno Kastner est choisi par le public, comme le meilleur acteur allemand (en réalité le plus populaire), devançant Harry Liedtke et Max Landa. Il enchaîne les triomphes: «Das paradies im schnee» (1923) de Georg Jacoby, «Der flug um den erdball» (1923) de Willi Wolff et «Colibri» (1924) de Victor Janson. En 1924, sa carrière est brutalement interrompue par un grave accident de moto qui l’éloigne des plateaux. Quelques mois plus tard, il divorce de Ida Wüst et retrouve le chemin des studios. Toujours autant idolâtré et plébiscité par son public, surtout féminin, il se retrouve en tête d’affiche de plusieurs grandes productions, parmi lesquelles: «L’homme qui se vend» (1925) avec Nora Gregor, «Un amour de hussard» (1926) avec Hans Albers, «Luther» (1927) avec Eugen Klöpfer, «La petite voleuse» (1928) avec Lilian Harvey et «Angst - Die schwache stunde einer frau» (1928) avec Vivian Gibson.

L’arrivée du cinéma parlant sonne le glas de la carrière de Bruno Kastner. Sa voix passe mal, les propositions se font rares et, de plus, sa virilité est mise en doute depuis son accident de moto. La critique le descend en flèche et les admiratrices qui l’ont porté aux nues, le délaissent. Il sombre dans l’oubli et la dépression. Pour gagner sa vie, il accepte des petites participations dans quelques productions. Il compose son dernier rôle, presque une figuration, sous la direction de Max Ophüls dans «Une histoire d’amour» (1932) avec Magda Schneider.

Celui qui fût l’une des plus grandes stars du cinéma muet germanique, n’accepte pas sa situation de vedette déchue. Au plus fort d’une crise dépressive, Bruno Kastner se suicide par pendaison le 30 juin 1932, dans sa chambre d’hôtel, à Bad Kreuznach en Allemagne.

videoFilmographie

  • 1917 : Hilde Warren et la Mort (Hilde Warren und der Tod) de Joe May
  • 1918 : Die Ehe der Charlotte von Brakel de Paul von Woringen
  • 1922 : Der Bekannte Unbekannte d'Erik Lund
  • 1924 : Colibri de Victor Janson
  • 1926 : La Divorcée (Die Geschiedene Frau) de Victor Janson et Rudolf Dworsky
  • 1926 : Les Frères Schellenberg (Die Brüder Schellenberg) de Karl Grune
  • 1928 : Luther – Ein Film der deutschen Reformation d'Hans Kyser

Kawalerowicz Jerzy

0
0

Kawalerowicz JerzyJerzy Kawalerowicz naît le 19 janvier 1922 à Gwoździec (actuellement en Ukraine), ancienne ville lithuano-polonaise devenue austro-hongroise, puis de nouveau polonaise entre les deux-guerres mondiales et où était installée depuis des siècles une très importante communauté juive qui sera presque complètement anéantie par l’occupant nazi. Alors que la Pologne, libérée par l’armée rouge, devient une république populaire, Jerzy Kawalerowicz étudie à l’université «Akademie Sztuk Pieknych» de Cracovie avant de s’orienter vers cinéma. Il débute, en 1947, comme assistant-réalisateur de Leonard Buczkowski pour, «Chansons interdites», et de Bozivoj Zeman pour «Slépy tor / Powrót», avant de travailler en 1948 avec Wanda Jabukowska pour «Le dernière étape». Pour «Stalowe serca» (1948) de Stanisław Urbanowicz, il est également crédité du rôle d’un officier allemand. En 1949, il termine son apprentissage sur le tournage de «Le défilé du diable» réalisé par Tadeusz Kánski et le cinéaste italien Aldo Vergano.

Au début des années cinquante, Jerzy Kawalerowicz met en scène en solo son premier long métrage dont il a aussi écrit le scénario et les dialogues «La commune» (1951). C’est une réussite et il est autorisé à poursuivre sa carrière. En 1956 «L’ombre» lui permet de décrocher une nomination pour la palme d’or à Cannes. En 1960 il réalise «Mère Jeanne des anges» qui reprend, transposée en Europe orientale, l’étrangère affaire du couvent des Ursulines de Loudun qui fut l’objet sous le règne de Louis XIII de curieux phénomènes jugés paranormaux. Le rôle titre de la religieuse est interprété par Lucyna Winnicka qui deviendra la future compagne du réalisateur et la mère de ses deux enfants Piotr et Agata. Le film est présenté à Cannes (prix spécial du Jury). Après une interruption de près de six ans le réalisateur retrouve les caméras pour tourner dans le Kazakhstan, avec le soutien de deux mille soldats de l’Armée Rouge comme figurants, un péplum «Pharaon». D’une grande sobriété et d’une réelle qualité d’images le film est adapté d’un roman écrit au XIXème par Boleslaw Prus, lui aussi polonais. Y sont racontés les démêlés d’un jeune pharaon aux idées modernes joué par Jerzy Zelnik, avec un Grand Prêtre, alias Piotr Pawlowski, synonyme d’obscurantisme religieux et de corruption. «Pharaon» concourt à la fois pour l’Oscar du meilleur film étranger et pour la Palme d’Or à Cannes.

Dans les années soixante-dix, le cinéaste polonais, qui sera un temps responsable de studios de production dans son pays, ne réalise que deux films: «Maddalena», avec Lisa Gastoni dans le rôle-titre; et «La mort du président» (1977) sur l’assassinat du premier président de la Pologne reconstituée après la première guerre mondiale. Citons encore «Austeria» (1981) où le cinéaste renoue avec ses origines juives et «L’otage de l’Europe» sur les derniers jours de Napoléon interprété par Roland Blanche. Pour son dix-septième et dernier film le réalisateur mettra encore en scène en 2001 un célèbre roman de la littérature polonaise «Quo Vadis?» de Henryk Sienkiewicz, sur la persécution des chrétiens à l’époque de l’empereur Néron. L’histoire a déjà fait l’objet de nombreuses adaptations cinématographiques dont la très clinquante, en 1951, avec Robert Taylor, le centurion, Deborah Kerr, la vertueuse chrétienne et Peter Ustinov en Néron. Les rôles seront repris respectivement dans la version polonaise par Pawel Delag, Magdalena Mielcarz et Michal Bajor. Jerzy Kawalerowicz, cinéaste polonais assez peu connu en France, décède à Varsovie le 27 décembre 2007. Il allait prendre quatre-vingt six ans.

videoFilmographie

comme réalisateur

  • 1952 : Gromada
  • 1954 : Celuloza
  • 1954 : Pod gwiazda frygijska
  • 1956 : L'Ombre (Cien)
  • 1957 : Prawdziwy koniec wielkiej wojny
  • 1959 : Train de nuit (Pociag)
  • 1961 : Mère Jeanne des anges (Matka Joanna od aniolów)
  • 1966 : Le Pharaon (Faraon), d'après l'œuvre de Boleslaw Prus
  • 1968 : Gra
  • 1971 : Maddalena
  • 1978 : Smierc prezydenta (en)
  • 1980 : Spotkanie na Atlantyku
  • 1983 : Austeria
  • 1989 : L'Otage de l'Europe (Jeniec Europy)
  • 1991 : Bronsteins Kinder
  • 1996 : Za chto?
  • 2001 : Quo Vadis?


comme scénariste

  • 1952 : Gromada
  • 1954 : Celuloza
  • 1954 : Pod gwiazda frygijska
  • 1957 : Prawdziwy koniec wielkiej wojny (en)
  • 1959 : Train de nuit (Pociag)
  • 1961 : Mère Jeanne des anges (Matka Joanna od aniolów)
  • 1966 : Le Pharaon (Faraon)
  • 1968 : Gra
  • 1971 : Maddalena
  • 1978 : Smierc prezydenta (en)
  • 1980 : Spotkanie na Atlantyku
  • 1983 : Austeria
  • 1989 : L'Otage de l'Europe (Jeniec Europy)
  • 1991 : Bronsteins Kinder
  • 1996 : Za chto?
  • 2001 : Quo Vadis?

Kazan Elia

0
0

Kazan EliaD’origine grecque, Elia Kazan naît le 7 septembre 1909 à Constantinople (quartier de Kadi-Keu). En 1913 Les Kazanjoglou émigrent aux États-Unis (New-York) où ils tiennent un commerce de Tapis. Ils déménagent ensuite à New Rochelle. Leur fils y fait ses études à la «Mayfair School» puis au «Williams College» dont il sort diplômé en 1930. Mais il s’intéresse aussi au théâtre et fréquente la «Yale Drama School». Au début des années trente, Elia se rapproche du CPUSA, le parti communiste nord-américain, et trouve sa place au sein du «Group Theatre», une troupe aux sympathies de gauche. Il y apprend le métier d’acteur, d’accessoiriste, de régisseur et fait ses premières mises en scène. Il découvre également le cinéma en jouant dans deux courts métrages (1934-1935) de son ami Ralph Steiner puis en réalisant un premier essai cinématographique (1937).

En 1940 Elia Kazan décroche un petit rôle dans «Ville conquise» de Anatole Litvak. Au théâtre il joue bientôt à guichets fermés au «Plymouth Theatre» de New York «The skin of our teeth» (1942) de Thornton Wilder avec Fredric March en tête d’affiche. Les propositions affluent alors mais Elia ambitionne surtout de faire du cinéma et accepte, pour la «Twentieth-Century-Fox », de diriger «Le lys de Brooklyn» en 1945. L’année suivant, il tourne deux films coup sur coup: «Le maître de la prairie», un western avec Spencer Tracy, et «Boomerang», un drame policier avec Dana Andrews. En 1947, il met en scène la pièce «All my sons», le premier triomphe de Arthur Miller. Il fonde également l’«Actor Sudio» avec Lee Strasberg et dirige Gregory Peck dans «Le mur invisible» (Oscar du meilleur film et du meilleur réalisateur). Il termine l’année au théâtre avec «Un tramway nommé Désir» de Tennessee Williams. Par la suite des films magnifiques vont s’ajouter à sa filmographie comme «L’héritage de la chair» (1949) un drame sur le racisme avec Jeanne Crain; «Panique dans la rue» (1950) un «thriller» avec Richard Widmark; l’adaptation d’«Un tramway nommé Désir» (1951) avec Marlon Brando et Vivien Leigh; deux autres films avec Brando «Viva Zapata!» (1952) et «Sur les quais» (1954); «À l’est d’Eden» (1955) avec James Dean; et «Le fleuve sauvage» (1959) avec Montgomery Clift.

Mais la politique anticommuniste menée par le sénateur Joseph McCarthy déclenche bientôt une «chasse aux sorcières» dans le monde artistique, et transforme la vie du réalisateur. Convoqué devant la très médiatisée «commission des activités antiaméricaines», Elia Kazan est amené à reconnaître les sensibilités de gauche de plusieurs de ses amis. Une attitude ambiguë que certains jugeront lâche et qu’il essaiera toute sa vie de justifier. Il va néanmoins encore tourner deux œuvres plus personnelles adaptées de ses propres romans, «America, America» (1963), l’histoire d’un jeune grec qui décide d’émigre aux USA pour fuir l’oppression turc, puis «L’arrangement» (1969) l’analyse de sa vie par un homme aisé, Kirk Douglas, ses deux amours, Deborah Kerr et Faye Dunaway, ses relations avec son père. Pour son dernier film, en 1976, il adapte le roman inachevé de Scott Fitzgerald, «Le dernier nabab» avec Robert De Niro en producteur avide, obsédé de travail, devenu veuf. Il se consacre ensuite essentiellement l’écriture même s’il fait quelques apparitions dans des documentaires. Elia Kazan, un immense artiste, sans doute bien plus attaché, en toute indépendance, à la défense des valeurs humaines, qu’à un parti politique, meurt presque centenaire le 28 septembre 2003, à New York.

ThéâtrePièces de théâtre

Comme metteur en scène

  • 1934 : Dimitroff
  • 1947 : All my Sons d'Arthur Miller
  • 1947 : Un tramway nommé Désir de Tennessee Williams
  • 1949 : Mort d'un commis voyageur d'Arthur Miller
  • 1955 : La Chatte sur un toit brûlant de Tennessee Williams
  • 1959 : Doux Oiseau de la jeunesse de Tennessee Williams
  • 1964 : After the fall d'Arthur Miller


videoFilmographie

Comme réalisateur

  • 1937 : The People of the Cumberlands (court-métrage)
  • 1940 : It's Up to You (documentaire)
  • 1945 : Le Lys de Brooklyn (A Tree Grows in Brooklyn)
  • 1947 : Le Maître de la prairie (The Sea of Grass)
  • 1947 : Boomerang !
  • 1947 : Le Mur invisible (Gentleman's Agreement)
  • 1949 : L'Héritage de la chair (Pinky)
  • 1950 : Panique dans la rue (Panic in the Streets)
  • 1951 : Un tramway nommé Désir (A Streetcar Named Desire)
  • 1952 : Viva Zapata!
  • 1953 : Man on a Tightrope
  • 1954 : Sur les quais (On the Waterfront)
  • 1955 : À l'est d'Eden (East of Eden)
  • 1956 : Baby Doll (Baby Doll)
  • 1957 : Un homme dans la foule (A Face in the Crowd)
  • 1960 : Le Fleuve sauvage (Wild River)
  • 1961 : La Fièvre dans le sang (Splendor in the Grass)
  • 1963 : America, America
  • 1969 : L'Arrangement (The Arrangement)
  • 1972 : Les Visiteurs (The Visitors)
  • 1976 : Le Dernier Nabab (The Last Tycoon)


Comme acteur

  • 1934 : Cafe Universal de Ralph Steiner
  • 1935 : Pie in the Sky de Ralph Steiner
  • 1940 : Ville conquise (City for Conquest) d'Anatole Litvak
  • 1941 : Blues in the Night d'Anatole Litvak
  • 1950 : Panique dans la rue (Panic in the Streets) d'Elia Kazan
  • 1993 : Le Brouillard de Zülfü Livaneli

Kedrova Lila

0
0

Kedrova Lila Issue d’une famille d’artistes, Lila Kedrova voit le jour, d’après certaines sources, dans les derniers jours de la Russie tsariste, pour d’autres, un an plus tard soit le 9 septembre 1919, à Saint-Pétersbourg, renommé Petrograd depuis 1914, la future Leningrad de 1924 à 1991. Elle est encore tout bébé quand sa famille prend le chemin de l’exil et réside cinq ans en Allemagne avant de gagner la France. La petite fille est alors déclarée sous son identité occidentalisée d’Elisabeth Kedroff. Le nom de Lila Kedrova est cité dans certains ouvrages au crédit du film «Ultimatum» (1938) de Robert Wiene, avec Eric von Stroheim et Dita Parlo. L’artiste semble cependant avoir vraiment commencé sa carrière cinématographique dans les années cinquante, après avoir acquis une solide réputation de professionnelle sur les planches, sous la tutelle de Charles Dullin puis de Pierre Valde dont elle est devenue l’épouse en 1948.

Lila Kedrova apparaît tout d’abord dans un film ouest-allemand de Victor Vicas et Beate von Mollo, «Sans retour» (1952), aux côtés de Ivan Desny qui interprète un ingénieur soviétique. Elle endosse ensuite avec talent la personnalité de personnages secondaires marquants aux nationalités diverses dans notamment : «Le grand jeu» (1953) avec Gina Lollobrigida, nouvelle version du film de Jacques Feyder réalisée par Robert Siodmak, avec Jean-Claude Pascal remplaçant Pierre Richard-Willm; «Razzia sur la chnouf» (1955) de Henri Decoin avec Jean Gabin; «Grand’Rue» (1956) de Juan Antonio Bardem, avec José Suárez; «Les amants de Montparnasse» (1958) avec Gérard Philipe alias le peintre Amedeo Modigliani; «La femme et le pantin» (1959) de Julien Duvivier, avec Brigitte Bardot et Antonio Vilar, dans les deux rôles-titres.

La décennie suivante, Lila Kedrova se voit décerner l’Oscar du meilleur second rôle féminin grâce à sa magistrale composition d’une prostituée face à Anthony Quinn, l’extravagant «Zorba le Grec» (1964) de Michael Cacoyannis. Artiste polyglotte, Lila Kedrova débute alors une carrière nord-américaine en jouant en particulier dans des films très influencés par la «Guerre Froide» comme «Le rideau déchiré» (1966) de Alfred Hitchcock avec Paul Newman et Julie Andrews, et «La lettre du Kremlin» (1969) de John Huston. Elle travaille également en Italie et en Israël («Evasion vers le soleil» - 1972 - de Menahem Golan). Mais les spectateurs français peuvent continuer à la voir régulièrement à la télé («Les glaces» - 1973 - de Claude Gagues, avec Jean Topart); ou au cinéma avec parmi d’autres titres , «Les égouts du paradis» (1978) de José Giovanni. Elle poursuit également une carrière théâtrale où elle joue bien sûr les auteurs russes. Remariée en 1968 à un metteur en scène canadien de l’Ontario, Richard Howard, elle s’installe Outre-Atlantique. Dans les années quatre-vingts elle reprend à Broadway son rôle de prostituée dans l’adaptation théâtrale du roman de Nikos Kazantzakis et elle a de nouveau comme partenaire Anthony Quinn. Âgée de soixante-quinze ans, avec une cinquantaine de longs métrages à sa filmographie, elle se retire définitivement de la scène en 1994.

Atteinte de la maladie d’Alzheimer, ayant tout oublié de sa belle carrière et de son existence commencée huit décennies plus tôt sur les rives de la Neva, Lila Kedrova s’éteint le 16 février 2000 à l’hôpital de Sault-Sainte-Marie, ville canadienne où elle résidait avec son second mari.

videoFilmographie

  • 1938 : Ultimatum : Irina
  • 1953 : Weg ohne Umkehr - Sans retour de Victor Vicas  : Ljuba
  • 1954 : Le Défroqué de Léo Joannon
  • 1954 : Le Grand Jeu de Robert Siodmak : Rose
  • 1955 : Futures Vedettes de Marc Allégret : la mère de Sophie
  • 1955 : Des gens sans importance de Henri Verneuil
  • 1955 : Les Chiffonniers d'Emmaüs de Robert Darène : la femme de Bastien
  • 1955 : Les Impures de Pierre Chevalier : Mme Denis, la concierge
  • 1955 : Razzia sur la chnouf de Henri Decoin : Léa
  • 1956 : Grande rue (Calle Mayor) de Juan-Antonio Bardem
  • 1957 : Jusqu'au dernier de Pierre Billon : Marcella Bastia
  • 1957 : Ce joli monde de Carlo Rim : Léa
  • 1958 : Les Amants de Montparnasse (Montparnasse 19) de Jacques Becker : Mme Sborowsky
  • 1959 : La Femme et le Pantin de Julien Duvivier : Manuela
  • 1959 : Mon pote le gitan de François Gir : La Choute
  • 1960 : Les Cinq Dernières Minutes de Claude Loursais, épisode Au fil de l'histoire (TV) : Véra Grisolles
  • 1961 : Les Concini (TV) : Leonora Galigaï
  • 1962 : Mesdemoiselles Armande (TV) : La Ledoux
  • 1963 : Kriss Romani de Jean Schmidt
  • 1963 : Une Affaire de famille (Les Cinq Dernières Minutes no 29), de Jean-Pierre Marchand
  • 1964 : La Mort d'un tueur de Robert Hossein
  • 1964 : Zorba le Grec (Alexis Zorbas) de Michael Cacoyannis: Madame Hortense
  • 1965 : Cyclone à la Jamaïque / Pleins feux sur la Jamaïque (A High Wind in Jamaica) d'Alexander Mackendrick : Rosa, patronne du Tampico Bar
  • 1966 : Le train bleu s'arrête 13 fois de Maurice de Canonge, (série télévisée) dans l’épisode Monte-Carlo : un mari dangereux
  • 1966 : Le Rideau déchiré (Torn Curtain) d'Alfred Hitchcock : la comtesse Kuchinska
  • 1966 : The Survivors (TV) : Emma Martens
  • 1966 : Les Plaisirs de Pénélope (Penelope) d'Arthur Hiller : Sadaba
  • 1967 : Le Canard en fer blanc de Jacques Poitrenaud : Rosa
  • 1967 : Le Commissaire Maigret à Pigalle de Mario Landi : Rise
  • 1969 : Il Suo modo di fare (en) de Franco Brusati : la mère de Yolanda
  • 1970 : La Lettre du Kremlin (The Kremlin Letter) de John Huston : Madame Sophie
  • 1970 : Eliza's horoscope de Gordon Sheppard
  • 1971 : Le Temps d'aimer (A Time for Loving) de Christopher Miles : Madame Olga Dubillard
  • 1972 : Rak de Charles Belmont  : la mère de David
  • 1972 : Cool Million (en) (TV) : Mme Martine
  • 1972 : Escape to the Sun / La fuite vers le soleil (en) de Menahem Golan: Sarah Kaplan
  • 1973 : Les Glaces (TV) : Madame
  • 1974 : En voiture, Simone (Soft Beds, Hard Battles / Undercovers hero) de Roy Boulting : Madame Grenier
  • 1974 : Alla mia cara mamma nel giorno del suo compleanno de Luciano Salce
  • 1975 : La crime de Luigi Bazzoni (en) et Mario Fenelli
  • 1975 : Emilie, l'enfant des ténèbres (en) (Il Medaglione insanguinato) de Massimo Dallamano : la comtesse Cappelli
  • 1975 : Le Orme de Luigi Bazzoni (en) et Mario Fenelli : la vieille femme sur la plage
  • 1975 : Eliza's Horoscope : Lila
  • 1976 : Le Locataire de Roman Polanski: Madame Gaderian
  • 1977 : Au bout du printemps (TV) : Mme Debolska
  • 1977 : Moi, fleur bleue d'Éric Le Hung : la comtesse de Tocqueville
  • 1977 : Nido de viudas / Widow's nest de Tony Navarro : la mère
  • 1977 : Il était une fois la légion / March or die de Dick Richards
  • 1978 : Le Paradis des riches de Paul Barge : Camille Chevallier
  • 1979 : Le Cavaleur de Philippe de Broca : Olga
  • 1979 : Les Égouts du paradis de José Giovanni : Charlotte
  • 1979 : Clair de femme de Costa-Gavras : Sonia
  • 1980 : Les Parents terribles (TV) : Yvonne
  • 1980 : Tell Me a Riddle (en) - David et Eva de Lee Grant : Eva
  • 1981 : Il Turno de Tonino Cervi : Maria
  • 1982 : Blood Tide / The red tide de Richard Jeffries : Sœur Anna
  • 1983 : Le Dernier testament (Testament)
  • 1984 : L'Épée du vaillant (Sword of the Valiant: The Legend of Sir Gawain and the Green Knight) de Stephen Weeks : Dame de Lyon
  • 1988 : Two Men (TV) : Rose
  • 1988 : Some Girls (fr) (Les Trois Grâces et Moi) [Québec] de Michael Hoffman : Granny
  • 1991 : A Star for Two
  • 1994 : Et ensuite, le feu (La Prossima volta il fuoco) de Fabio Carpi : la mère
  • 1996 : Getting away with murder d'Harvey Miller


ThéâtreThéâtre

  • 1945 : Les Frères Karamazov de Dostoïevski, mise en scène André Barsacq, Théâtre de l'Atelier
  • 1947 : Les Amants de Noël de Pierre Barillet, mise en scène Pierre Valde, Théâtre de Poche
  • 1948 : La Dame de l'aube d'Alejandro Casona, mise en scène Pierre Valde, Théâtre de la Gaîté-Montparnasse
  • 1958 : Jésus la Caille de Francis Carco, mise en scène Pierre Valde, Théâtre des Arts ,"Alexandra Roubé Janski",66,rue de Rochechouart,avec : Héléna Bossis, Philippe Lemaire, Charles Moulin, Armand Mestral, Roland Charbaux, Léon Larive, Gilles Cadiou (Pierre Gilou) à l'accordéon, Claude Figus, adaptation de Frédéric Dard, décor de Annenkov.
  • 1954 : Responsabilité limitée de Robert Hossein, mise en scène Jean-Pierre Grenier, Théâtre Fontaine
  • 1954 : Le Seigneur de San Gor de Gloria Alcorta, mise en scène Jacques Mauclair et Henri Rollan, Théâtre des Arts
  • 1956 : Le Baladin du monde occidental de John Millington Synge, mise en scène René Dupuy, Théâtre Gramont
  • 1957 : Les Hommes du dimanche de Jean-Louis Roncoroni, mise en scène Georges Douking, Théâtre de la Michodière
  • 1958 : Vu du pont d'Arthur Miller, mise en scène Peter Brook, Théâtre Antoine
  • 1958 : Inquisition de Diego Fabbri, mise en scène José Quaglio, Théâtre de l'Œuvre
  • 1958 : Clérambard de Marcel Aymé, mise en scène Claude Sainval, Comédie des Champs-Élysées
  • 1960 : Un goût de miel de Shelagh Delaney, mise en scène Marguerite Jamois, Théâtre des Mathurins
  • 1960 : La Logeuse de Jacques Audiberti, mise en scène Pierre Valde, Théâtre de l'Œuvre
  • 1961 : Clérambard de Marcel Aymé, mise en scène Claude Sainval, Théâtre des Champs-Élysées
  • 1961 : La Grotte de Jean Anouilh, mise en scène de l'auteur et Roland Piétri, Théâtre Montparnasse
  • 1963 : Le Satyre de la Villette de René de Obaldia, mise en scène André Barsacq, Théâtre de l'Atelier
  • 1964 : Rebrousse-Poil de Jean-Louis Roncoroni, mise en scène Pierre Fresnay, Théâtre de l'Œuvre
  • 1966 : La Rose tatouée de Tennessee Williams, mise en scène Pierre Valde, Théâtre municipal de Lausanne
  • 1974 : De l'influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites de Paul Zindel, mise en scène Michel Fagadau, Théâtre La Bruyère
  • 1977 : Les Parents terribles de Jean Cocteau, mise en scène Jean Marais, Théâtre Antoine

Le souvenir du médecin Matus Pundik reste vivace

0
0

Sud Ouestpublié le 28/03/2014 à 06h00 par Martial Maury


L'émotion est palpable ce mardi 18 mars à la mairie de Saint-Christoly. La raison ? 254 pages. Celles d'un livre, « Matus Pundik, presque plus fort que la mort », que son auteur, Mauricette Pundik vient remettre au maire du village Bernard Péraldi. Le récit de la vie de celui qui fut le médecin de Saint-Christoly-de-Blaye, au sortir de la seconde guerre mondiale et qui a laissé une trace indélébile dans les souvenirs du village, grâce à son dévouement auprès des habitants.


Trois des cinq filles du docteur Pundik

Bernard Péraldi, Mauricette Pundik Lachery, Michèle Limouzin et Eliane Mouyen, trois des cinq filles du docteur Pundik

 

En juin 2011, une rue du village a été baptisée au nom du docteur Pundik. « Grâce à vous, a déclaré Mauricette Pundik à Bernard Péraldi, le nom de mon père restera associé à la commune ».

Témoignages

Matus Pundik a eu une vie digne d'un roman. Il a traversé l'histoire et la géographie tumultueuses de l'Europe dans la première moitié du XXe siècle. Il est né en octobre 1909 à Krémenets dans l'actuelle Ukraine, alors terre Polonaise. Il est le 4e enfant d'une famille, pauvre, d'intellectuels juifs. En 1931, il arrive en France pour suivre des études de médecine.

En 1939, à Bordeaux, il s'engage dans l'armée polonaise. Prisonnier, il est déporté dans des camps de concentration, en France et à Auschwitz et Birkenau. Sa première épouse et son enfant, ainsi que sa famille sont exterminés par les nazis. Même dans les camps de la mort, il ne se départira pas de sa foi dans l'homme. Il soignera, soutiendra ses coreligionnaires prisonniers. Sa fille se souvient de témoignages de déportés : « Il ne vous a rien dit, mais il nous a soignés et sauvés ».

À la fin de la guerre, Matus Pundik rencontre sa seconde épouse Marie Marguerite qui a déjà deux filles. Avec elles, il s'installe à Saint-Christoly, et il aura trois autres filles, dont Mauricette, l'aînée, qui lui rend cet hommage. « Un tel homme ne devrait pas rester seulement dans sa famille, il a une telle humanité. Il n'a jamais voulu que son passé douloureux hypothèque son présent. » Michèle Limouzin, fille du premier mariage de Marguerite, le considère comme son père et partage l'avis de sa sœur. « Il nous a donné une leçon de courage, et nous a toujours enseigné l'amour, jamais la haine. Cette éducation nous colle à la peau ». Son souvenir est encore prégnant dans le village et ce livre fait revivre un destin exceptionnel et riche d'enseignements.

Mauricette Pundik participera prochainement à un petit-déjeuner littéraire à la bibliothèque de Saint-Christoly pour présenter son livre disponible à la maison de la presse.

La foule a rendu hommage à la survivante d'Auschwitz

0
0

7sur7publié le 29/03/2014 à 19h12



Plusieurs centaines de personnes ont assisté samedi au crématorium d'Anvers aux funérailles de Regine Beer, une des dernières survivantes belges de l'Holocauste, décédée dimanche dernier à l'âge de 93 ans. Au cours de la cérémonie, la défunte a été louée pour sa lutte sans relâche contre le fascisme, le racisme et la discrimination.


Hommage à Regine Beer

 

Durant la Deuxième Guerre mondiale, Regine Beer a été déportée vers Auschwitz-Birkenau. Elle a survécu au camp d'extermination nazi et est retournée à Anvers à la fin du conflit mondial. Elle a longtemps gardé le silence sur son passage par le camp de la mort, mais dans les années '70, elle a commencé à partager son expérience, à des écoliers notamment.

Les décennies qui ont suivi, elle a abordé l'horreur de l'Holocauste au cours de milliers de conférences. Pour Jos Vander Velpen, de la Ligue des droits de l'Homme, elle incarnait la lutte contre le fascisme et le racisme. "Cinquante années durant, vous avez été une de nos voix les plus éminentes, les plus intègres et les plus incontestées en cette matière. D'autres vont maintenant défendre vos valeurs démocratiques et antifascistes, mais vous ne tomberez pas dans l'oubli."

Regine Beer a également représenté le parti socialiste flamand au conseil communal anversois. Plusieurs représentants du sp.a étaient donc présents samedi, comme Bruno Tobback, président du parti, Monica De Coninck, ministre de l'Emploi, ou encore Caroline Gennez et Yasmine Kherbache. La gouverneur provinciale, Cathy Berx (CD&V), l'échevin Claude Marinower (Open Vld), Peter Mertens (PVDA) et un représentant du Roi ont également assisté à la cérémonie.

Celle-ci s'est clôturée sur le Chant des déportés, un chant de résistance apparu dans les camps. Les cendres de Regine Beer ont été dispersées au cimetière Schoonselhof.

Ces enfants juifs déportés depuis Poitiers

0
0

7 à Poitierspublié le 28/03/2014 à 21h28 par Arnault Varanne

Ils étaient âgés entre 6 mois et 17 ans. Eux, ce sont les enfants juifs déportés vers les camps de la mort, entre 1942 et 1944. Un remarquable travail de cartographie permet aujourd’hui de savoir où ils vivaient en France. Notamment à Poitiers et dans une trentaine d’autres communes de la Vienne.

Yvette Achach, 16 ans. Myriam Bloch, 6 ans. André Brumwazer, 5 ans. Samy Vogel, 12 ans… La liste des prénoms, noms et âges s’égrène à l’infini sur le portail tetrade.huma-num.fr. Entre juillet 1942 et août 1944, 11 450 juifs ont été arrêtés dans l’Hexagone et déportés vers des camps d’extermination. Dans la Vienne, trente et une communes apparaissent sur l’étonnante cartographie réalisée par le professeur d’histoire contemporaine à l’ENS Jean-Luc Pinol, Gérard Foliot et Sabine Zeitoun. Lesquels se sont appuyés sur le Mémorial de la déportation des Juifs de France, de Serge Klarsfeld.

A Poitiers, cinquante-trois jeunes filles et garçons auraient subi la barbarie du régime nazi. À Châtellerault, trois. À Ligugé, six. Et ainsi de suite… « Ils ont d’abord transité par le terrible camp de la route de Limoges, avant d’atterrir à Drancy puis d’être déportés vers Auschwitz et Birkenau », retrace Jean Amand. Le président de « Vienne résistance internement déportation » (Vrid) n’a pas eu connaissance de la cartographie réalisée par l’équipe d’universitaires. Il ne s’en offusque pas. Et pour cause, des liens étroits existent entre les témoignages recueillis sur le site Internet de l’association et les noms dévoilés au grand jour récemment.

Exemple avec Yvette Achache, 16 ans. Comme cinq autres camarades du lycée Victor-Hugo, elle fut « arrachée à son quotidien » pendant le deuxième trimestre de l’année scolaire 1943-1944. Une cérémonie du souvenir avait eu lieu le 26 avril 2005, à l’occasion du 60e anniversaire de la Libération des camps. Et une plaque portant leur nom trône en bonne place au sein de l’établissement.

Soixante-dix ans, déjà…

À l’instar des historiens Jean-Henri Calmon, Marie-Claude Albert et de tant d’autres, Sabine Renard-Darson a beaucoup contribué à perpétuer le devoir de mémoire sur la Seconde Guerre mondiale dans la Vienne. Du descriptif des camps d’internement du département à la mise en lumière de ceux qui ont aidé des enfants juifs, la petite-fille du célèbre résistant Louis-Renard s’est plongée dans l’Histoire avec une volonté de laisser une trace aux générations futures. « C’est important de mettre des noms sur des actions », relate-t-elle. Dommage que les descendants de juifs déportés dans la Vienne ne veuillent pas davantage témoigner.

La rédaction a tenté d’en convaincre quelques-uns, mais il faut croire que le souci de la discrétion et la résurgence de douleurs enfouies l’emportent sur la nécessité de parler. Le rabbin Elie Bloch, Marcelle Valensi, le père Jean Fleury (IV) et les Justes de la Vienne ont tour à tour contribué à « améliorer le quotidien des enfants internés » voire à « sauver des vies », dixit Sabine Renard-Darson. Soixante-dix ans après les dernières rafles, personne n’a oublié. Yvette, Myriam, André, Samy et tous les enfants juifs victimes de la barbarie nazie. Encore fallait-il le rappeler…

Plus d’infos sur tetrade.huma-num.fr et vrid-memorial.com

Ain. Jean-Marc Ayrault attendu à Izieu pour les 70 ans de la rafle des enfants juifs

0
0

Le Progrèspublié le 28/03/2014 à 19h07


Le dimanche 6 avril, la commémoration du 70e anniversaire de la rafle des enfants juifs d’Izieu se déroulera en présence du Premier ministre Jean-Marc Ayrault.

Jean-Marc Ayrault

 

Il sera accompagné par le président du Parlement européen, l’Allemand Martin Schulz, et le président de la Région Rhône-Alpes Jean-Jack Queyranne. A cette occasion, le chef du Gouvernement procédera à la pose de la première pierre des travaux d’agrandissement du mémorial, qui se poursuivront jusqu’en 2015.

En avril 1944, la colonie de jeunes réfugiés, créée secrètement à Izieu par le couple Zlatin, est investie par la Gestapo sur ordre de Klaus Barbie. 44 enfants et 7 adultes sont déportés vers le camp d’Auschwitz-Birkenau. Seule une éducatrice survivra. A la fois lieu de mémoire et centre de documentation, la Maison d’Izieu, inaugurée le 24 avril 1994 par le président Mitterrand, va au-delà de l’histoire de la Shoah. Elle s’est forgée une dimension européenne sur la question des crimes contre l’Humanité.

Rencontre avec Dominique Missika, historienne, éditrice et productrice. « L’institutrice d’Izieu, une oubliée de l’histoire »

0
0

Le Progrèspublié le 25/03/2014 à 20h49 par Nathalie Mauret

Pourquoi une biographie de Gabrielle Perrier, celle que l’on appelle « l’institutrice d’Izieu » ?



Dominique Missika

Dominique Missika

 

Je suis membre du comité scientifique d’Izieu, j’ai suivi le procès Barbie, j’ai produit les émissions et les DVD sur le procès. Cette histoire, je la porte en moi depuis longtemps. En 2005, j’ai rencontré Gabrielle Perrier à Izieu et je lui ai demandé de répondre à mes questions pour une campagne de témoignage. Elle a décliné, mais j’ai été troublée par sa bienveillance, sa gentillesse et aussi par sa tristesse. Ce moment est resté en moi.

Pourquoi ?

Ma vie a été rythmée par les témoignages du procès Barbie et j’ai été émue par le destin de cette institutrice qui est une clandestine de l’histoire. Dans les 107 témoins, elle apparaît de façon fugitive. J’ai été touchée par ce silence. Car on connaît la souffrance terrible de ceux qui ont subi les violences de Barbie ou de ceux qui ont perdu un être cher. Mais elle, on l’a oubliée car elle n’est pas une victime. Elle n’a pas de statut : il n’y a pas de mot qui désigne une institutrice dont les 44 élèves sont raflés. Je me suis demandée qui elle était. J’ai écrit la biographie d’une personne qui par sa présence et son absence, m’intrigue.

Pourquoi a-t-elle refusé de vous parler selon vous ?

Elle a pris la parole au procès Barbie et elle s’est ensuite souvent exprimée devant des enfants au mémorial d’Izieu. Elle n’est pas désireuse de parler en public. Elle est dans l’effacement. Son silence dit aussi quelque chose de la place des femmes dans l’histoire.

De qui cette femme est-elle représentative ?

Pour moi c’est l’institutrice jusqu’au bout des ongles : elle remplit sa mission et sa vocation, quels que soient les élèves qui sont en face d’elle. Sa présence, sa bienveillance, son dévouement, sa modestie symbolisent une sorte de résistance civile à l’occupation. Elle n’est pas une héroïne, elle n’a sauvé personne, mais son attitude, sa dignité, son attachement aux enfants, sont remarquables.

Quel sens cela a, aujourd’hui, de parler de cette femme ?

C’est restituer la place d’une femme oubliée de l’histoire, c’est dire à quel point elle a été admirable et exemplaire. Alors qu’il y a eu tant de gens peu glorieux, elle incarne ce que la République a de mieux. Il faudra toujours transmettre cette histoire et une manière de le faire est de raconter l’itinéraire de cette femme, qui au cœur de l’occupation, accomplit sa mission.

Viewing all 30791 articles
Browse latest View live




Latest Images